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Claude Monet
Bagnanti a La Grenouillère
1869
Olio su tela - 73 x 92 cm.
Londra, The National Gallery
Durante l'estate del 1869, Monet e Renoir dipinsero insieme a La Grenouillère, nel pittoresco villaggio di Bougival, una località mondana sulla Senna, a circa 12 chilometri a ovest di Parigi, non lontano da dove viveva Monet.
La Grenouillère (letteralmente “Lo stagno delle rane”) era stata “scoperta” da scrittori, musicisti e artisti circa un decennio prima e durante gli anni '60 dell'Ottocento divenne una meta popolare per trascorrere il fine settimana lontano dalla città.
Il villaggio era facilmente raggiungibile in treno (dalla Gare Saint-Lazare, che Monet dipinse più volte) o in autobus e offriva una serie di attività ricreative, tra cui canottaggio, pesca e nuoto. C'era anche un ristorante galleggiante (fuori dal quadro, a destra dell'immagine) e una sala da ballo, oltre a tavoli lungo il fiume per bere e cenare.
Attirando un ampio spaccato della società parigina, il luogo fu visitato persino dall'imperatore Napoleone III, accompagnato dalla moglie e dal figlio, durante la stessa estate in cui Monet e Renoir vi lavoravano.
Sebbene alcuni contemporanei, tra cui lo scrittore Maupassant, giudicassero La Grenouillère un luogo di piacere volgare popolato da festaioli di bassa classe, offriva il tipo di soggetto della vita moderna con cui altri scrittori, come Baudelaire e i fratelli Goncourt, avevano sollecitato gli artisti ad impegnarsi.
I dipinti che Monet realizzò a La Grenouillère facevano parte del suo progetto per completare un grande dipinto in loco, che intendeva esporre al Salon del 1870. Inizialmente non era soddisfatto di ciò che aveva ottenuto. Scrivendo al collega artista Frédéric Bazille il 25 settembre 1869 spiegò: “Ho davvero un sogno, un dipinto di un bagno a La Grenouillère, per il quale ho fatto dei brutti schizzi, ma è un sogno. Anche Renoir, che ha trascorso qui due mesi, vuole farlo.” Tra Monet e Renoir produssero sei dipinti di La Grenouillère.
I “cattivi schizzi” a cui si riferiva Monet includevano questo dipinto e uno ora al Metropolitan Museum of Art di New York. Dipinse anche un piccolo studio di due barche a remi (Kunsthalle, Berna). Un altro dipinto di “La Grenouillère” fu rifiutato dal Salon del 1870 ed è probabilmente il quadro, già nella Collezione Arnhold a Berlino, distrutto durante la seconda guerra mondiale, del quale è rimasta solo una fotografia, che mostra una composizione più rifinita, dipinta su una tela leggermente più grande.
Claude Monet
La Grenouillére
1869
Formerly in the Arnold Collection Berlin, now presumed destroyed
Di formato più ampio rispetto agli schizzi della National Gallery e del Metropolitan Museum, l'immagine del Salon combinava elementi di entrambi e includeva altri dettagli come barche a vela e una folla di visitatori alla moda. Estendendosi oltre il bordo destro dell'immagine della National Gallery, mostrava la passerella del pontone che conduceva a una piccola isola circolare (soprannominata “il Camembert”) e, oltre, al ristorante galleggiante. Questi sono inclusi nel dipinto di New York.
Sebbene Monet dipingesse regolarmente all'aperto, la sua lettera a Bazille indica che faceva una distinzione tra uno schizzo (pochade) completato rapidamente sul posto e un quadro finito (tableau), forse per una mostra, che era stata elaborata in uno studio. Sebbene i due schizzi di La Grenouillère siano stati dipinti rapidamente e siano tecnicamente piuttosto grezzi, hanno una schiettezza e un'immediatezza che non potrebbero essere raggiunte in studio. In entrambe le immagini Monet dipinge ciò che vede, senza alcun tentativo di riordinare la scena. Un attento esame del quadro rivela che probabilmente dipinse su una tela usata e che parti del quadro furono frettolosamente rielaborate. La spontaneità del suo metodo è evidente anche nel suo rifiuto dei metodi tradizionali di creare l'illusione dello spazio tridimensionale attraverso la prospettiva lineare e gli espedienti compositivi convenzionali. Ad esempio, non ha utilizzato un dispositivo di inquadratura (come linee di alberi o fogliame sfuggenti) per creare un effetto di recessione spaziale. Non vi è alcun punto centrale o oggetto di messa a fuoco e l'orizzonte è posizionato vicino alla parte superiore dell'immagine. Sebbene le linee delle barche guidino lo sguardo lungo l'ansa del fiume, ogni agevole accesso al quadro è interrotto dalla linea orizzontale della passerella, che divide la tela, tagliandola in due, e dalle figure verticali che camminano lungo di essa.
Monet evita la modellazione pittorica convenzionale delle forme a tutto tondo attraverso luci e ombre, utilizzando invece una notazione rapida e abbozzata. Ha indicato le forme delle barche con spesse linee di pittura, piuttosto che delinearle in dettaglio. Ampi tratti bloccano le figure, il fogliame e le fasce di luce riflesse sull'acqua, gran parte delle quali è, insolitamente, in ombra. Alcune aree, compresi gli alberi, appaiono incompiute; i dettagli altrove, come i bagnanti nel fiume, vengono catturati solo con tocchi di vernice. Anche le figure più grandi, compresa la rappresentazione quasi rozzamente caricaturale delle due donne in costume da bagno e dell'uomo sulla passerella, sono rese con pochi rapidi colpi.
Due innovazioni tecniche hanno contribuito al metodo pittorico di Monet. L'avvento dei tubi in metallo morbido di pittura a olio pronti per l'uso immediato ha reso la pittura all'aperto molto più facile e l'introduzione di una ghiera metallica per i pennelli ha portato alla produzione di pennelli piatti, anziché rotondi. Questi nuovi pennelli hanno consentito un nuovo tipo di pennellata: una macchia di colore ampia, piatta e uniformemente dipinta. Monet ha creato il suo dipinto attraverso molteplici macchie colorate che, insieme alla sua gamma limitata di colori forti, conferiscono al dipinto un'unità decorativa. Dipingendo una scena di svago urbano contemporaneo in un modo decisamente nuovo, Monet si stava muovendo verso un modo di dipingere che presto sarebbe stato conosciuto come “Impressionismo”. (M.@rt)
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